jueves, 6 de enero de 2022
miércoles, 3 de noviembre de 2021
Cartoon Modern
viernes, 17 de septiembre de 2021
viernes, 12 de marzo de 2021
La Historieta también va a las elecciones.
A estas alturas para cualquier lego es fácil darse cuenta que un producto cultural como la narrativa gráfica se verá envuelta consiente e inconscientemente dentro de la época política de un país. Más si el tiempo que toca es cercano a las elecciones de autoridades políticas. Cómo evitar la avalancha de noticias a través de periódicos, revistas, televisión y redes sociales con contenido político o con opiniones sobre posturas políticas, mantener al margen es ilusorio salvo que vivas como anacoreta o hayas naufragado en una isla desierta.
Decía que el marco histórico e ideológico envuelve , influye o marca las historias de ficción que uno encuentra en los comics, lo hacen de manera inconsciente pues reflejan usos, modos, costumbres, estructuras sociales, cultura y por supuesto política. Un Asterix, Tíntin, los Pitufos o un Popeye tenían una posición, o mejor dicho sus autores reflejaban las ideas políticas de la época desde siempre, pero hay historietas que evidentemente cruzan la barrera del reflejo para hacerse declaraciones de parte que apoyan ideas políticas, situaciones y candidatos.
Dejemos aparte en cambio binomio gráfico del humor y la política es por supuesto inevitable desde el origen de la caricatura y el humor gráfico político ( Editorial Cartoons).
Y centrémonos en este pequeño post al cómic y su uso de propaganda política en época electorales para centrar el alcance ligero de esta publicación. Por supuesto a manera de anotación podemos citar el caso de los personajes del cómic americano y su papel propagandístico en la II Guerra mundial, con Superman, Batman y hasta Popeye dando golpes a Nazis y Japoneses, o los comics dedicados al 9-11. A Maus y su relato estremecedor de los campos de concentración, a Joe Sacco y sus crónicas historietísticas, o Marjane Satrapi y Persépolis más cerca esta Barbarie de Jesús Cossio o Rupay de Cossio, Rossell y Villar y muchas otras historietas que hablan o relatan hechos políticos. pero por ahora pues solo mostraré una galería de portadas y recortes de Historietas en tiempo electoral sin hacer mayor análisis que esta larga introducción.
Espero que les interese y genere conversación. Un abrazo
Javier Prado
GALERÍA después del salto
lunes, 8 de marzo de 2021
Frank Thorne, legendario artista de Red Sonja, muere a los 90 años
El legendario dibujante de cómics Frank Thorne, mejor conocido por su trabajo en Red Sonja de Marvel, falleció a la edad de 90 años junto a su esposa, Marilyn.
lunes, 23 de noviembre de 2020
La verdadera ciencia de la espinaca y lo que nos enseña la mitología de Popeye sobre cómo se propaga el error
"La verdad comienza hace más de cincuenta años. En 1870, Erich von Wolf, un químico alemán, examinó la cantidad de hierro en la espinaca, entre muchas otras verduras. Al registrar sus hallazgos, von Wolf perdió accidentalmente un punto decimal al transcribir datos de su cuaderno, cambiando el contenido de hierro en las espinacas en un orden de magnitud. Si bien en realidad solo hay 3,5 miligramos de hierro en una porción de 100 gramos de espinacas, el hecho aceptado se convirtió en 35 miligramos.
Arbesman usa la historia de Popeye como una alegoría de amonestación contra el ego demasiado humano y nuestra propensión crónica a los atajos, cuya combinación nos hace demasiado perezosos para mirar más de cerca y demasiado temerosos de admitir que hemos estado ciegos y equivocados :
En última instancia, la razón por la que se propagan estos errores es porque es mucho más fácil difundir lo primero que encuentras, o el hecho que suena correcto, que profundizar en la literatura en busca del hecho correcto.
Pero quizás la reflexión más adecuada sobre lo que nos enseña la historia de Popeye se puede encontrar en la fantástica meditación de Dorion Sagan sobre por qué la ciencia y la filosofía se necesitan mutuamente , en la que él observa:
Es el espíritu de cuestionamiento, de curiosidad, de investigación crítica combinada con verificación de hechos. Es el espíritu de poder admitir que estás equivocado, de apelar a los datos, no a la autoridad, a la que no le gusta admitir que está mal.
martes, 29 de septiembre de 2020
The Spirit
En el prólogo de “Contrato con Dios” Eisner definiría lo que era el cómic para él:
“En retrospectiva, me doy cuenta de que estuve trabajando tan sólo una idea central: que el medio, la disposición de palabras e imágenes en el arte secuencial, era una forma artística en sí”
Will Eisner, junio 1985, “Contrato con Dios”/ Norma Editorial 2006viernes, 28 de agosto de 2020
Wakanda Forever- Chadwick Boseman 1977-2020
Chadwick Boseman, actor estadounidense conocido por su papel como #BlackPanther, falleció el día de hoy. Después de luchar contra el cáncer de colon durante 4 años. QEPD. (1976-2020). Demostró siempre ser un verdadero luchador. Descansa en paz rey de Wakanda #WakandaForever
viernes, 7 de agosto de 2020
El Eternauta edición integral.
En las siguientes librerías (en venta exclusiva por dos meses).
.Club del Comic
Marcelo T. de Alvear 2002 - (1122) CABA
www.clubdelcomic.com.ar @clubdelcomic
.Comic Center Colegiales
Av. Elcano 3017 - (1426) CABA
www.comiccenterstore.com.ar @comiccenterstore
.Comic Center Villa Urquiza
Av. Monroe 5342 - (1431) CABA
www.comiccenterstore.com.ar @comiccenterstore
Crossover Comics Store
Av. Gral. Paz 174, Loc. 05 - (5000) Córdoba Capital
www.crossover-comics.com @crossovercomicsstore
.Elektra Comics
Defensa 247 - (1065) CABA
www.elektracomics.com.ar @elektracomics
.Entelequia Centro
Uruguay 341 - (1015) CABA
www.entelequia.com.ar @entelequiagram
.Entelequia Belgrano
Juramento 2584 - (1428) CABA
www.entelequia.com.ar @entelequiabelgrano
.Fábrica de Historietas
Ayacucho 19 - (1025) CABA
facebook: fabricadehistorietas @fabricadehistorietas
.Puro Comic
3 de febrero 1180 - (2000) Rosario
www.purocomic.com.ar @purocomicrosario
.Sector 2814
Suipacha 892 - (1008) CABA
www.sector2814.com.ar @sector_2814_comiqueria
jueves, 6 de agosto de 2020
Hablando de Animación con Laboratorio Animado.
Hola este miércoles 12 de agosto a las 6 pm.(Hora Perú) estaré conversando con los amigos de Laboratorio Animado una red de animadores latinos que vienen haciendo un gran trabajo de difusión de esta naciente industria. Los invito cordialmente a encontrarnos! Los horarios están marcados en las imágenes.
domingo, 28 de junio de 2020
′′ Demasiado divertido para las palabras: las mejores Gags de Disney ′′
En 1927, él (Walt Disney) aseguró un nuevo contrato para producir una serie con Oswald The Lucky Rabbit. Esta era la oportunidad que había estado esperando. Aquí había un personaje que podía ser héroe y comediante que podría actuar de cualquier cosa desde un Charlie Chaplin hasta Doug Fairbanks, y que sin duda podría ser memorable. Walt no podía dibujar figuras cartoons más interesantes o hacer fotogramas por menos dinero, pero había una zona que conocía mejor que la mayoría – la risa.
Decidió hacer hincapié en los Gags (Chistes visuales). Como dijo Dick Huemer más tarde, ′′ Disney trajo una planificación cuidadosa y una atención meticulosa a los detalles e ideas, y gags, gags, gags. Tenía la mejor mente humorística que he encontrado." A pesar de que las dos primeras películas de Oswald fueron criticadas tanto por críticos como por distribuidores, Walt tenía confianza en el personaje y en su propia habilidad para encontrar las gags que harían de esta serie la más divertida producida en cualquier lugar.
En ese momento, sin embargo, incluso los distribuidores estaban cuestionando si los gags eran suficientes para sostener toda una película y empezaron a pedir más historia. Walt, el más grande de los narradores, reaccionó de una manera sorprendente.
"By the time you have a story really started," he said, "it is time to iris out (end the picture)
Traducido es algo así como:
′′ Para cuando tienes una historia realmente avanzada," y no has hecho reír al público es hora de irse (y acabar el dibujo) ′′
Obviamente, en la mente de Walt, el primero La prioridad en cualquier película fue la risa, y demasiada historia rápidamente se volvió tediosa. Nunca olvidó ese punto a lo largo de toda su vida, evitando constantemente proyectos que tenían más continuidad que entretenimiento."
Frank Thomas y Ollie Johnston, "Too Funny for Words: Disney's Greatest Sight Gags" pg. 20
Secretos de un matrimonio creativo: 10 consejos de los directores de Disney, Ron Clements y John Musker
Este articulo es oro puro. ¿Eres animador? bueno presta atención en CartoonBrew acaba de poner un articulo con 10 punto claves recomendados nada menos que por Ron Clements y John Musker el dúo de directores de animación con más éxito que ha tenido Walt Disney Company. Debajo una traducción libre con varias apostillas mias.
1. Cuente historias que exploten el medio de la animación. La pareja trata de evitar historias que podrían contarse como una novela o una obra de teatro en vivo. "Esa regla se ha vuelto un poco más borrosa", admitió Musker, "a medida que la acción en vivo ... se acerca mucho más a la animación, con la introducción de tecnologías digitales". Es escéptico sobre el próximo remake de acción real de Disney de The Little Mermaid : "Les deseo lo mejor con eso, pero [las personas que hablan y cantan bajo el agua] es una convención, una estilización, que creo que es más fácil de aceptar en una película dibujada a mano . "
2. Puedes encontrar personajes en cualquier lugar que mires. Clements dio el ejemplo de Glen Keane, quien animó a Ariel en La sirenita, y cuya personalidad propia moldeó la de ella: “Pensamos en Glen [cuando desarrollaba Ariel]. Salta a las cosas, es audaz ". Añadió, tentadoramente, "Hay algunos villanos que basamos en algunos de nuestros jefes".
3. Use canciones que avancen la narrativa. La pareja discutió su colaboración con el compositor Howard Ashman, quien fue cortejado por Disney a fines de la década de 1980, y eligió a La Sirenita de entre los diversos proyectos sobre la mesa. Ashman y los directores acordaron que “cualquier canción que estuviera en la película tenía que avanzar en la trama, el personaje o ambos. [De lo contrario] la historia se detenía durante la canción, y no queríamos que eso sucediera ". (Esto no le va a gustar a los chicos de Pixar).
4. Crea cada escena cinco veces. Clements aprendió esta lección de su mentor Frank Thomas, uno de los Nine Old Men de Disney: “Obtienes una escena de animación y piensas: 'Sé cómo quiero hacer eso'. No solo vayas con tu primer impulso. Oblíguese a idear cinco ideas diferentes sobre cómo animar la escena y luego elija la mejor ".
(Verdad ABSOLUTA, la animación siempre es un acto premeditado, no te sientes a animar sino te has esforzado pro ver de manera creativa tu escena previamente en las miniatura (thumbnails). Leyeron no es cierto señores de Intro a la animación.)
5. Deje que la audiencia vea la imagen divertida. Este consejo específico fue transmitido a Musker por Ward Kimball, otro de los Nueve Viejos, a través del animador Cliff Nordberg. Se trata esencialmente de tiempo en la comedia, de pausar cuando sea necesario. "A veces tengo una tendencia a pasar por cosas tan rápidas", dijo Musker, "pero hay un cuadro divertido que, si no permites que el público vea esa imagen, pierdes algo".
Corolario: Si el público no lo ve o no lo entiende, revisa tu timing.
6. Piensa en la nariz. Musker recordó otra lección de comunicación visual de Nine Old Man Eric Larson, en la que ha recurrido muchas veces. Larson lo instó a considerar la nariz de un personaje como "un puntero gráfico que señala hacia dónde quiere ir su ojo". Entonces, si alguien está hablando con alguien, asegúrese de que la nariz no lo guíe en otra dirección ".
7. Storyboarding es el mejor camino para dirigir. Musker señaló que la mayoría de los directores de Disney, incluidos él y Clements, tienen experiencia en este campo. "Storyboarding es como dirigir en papel", explicó. "Estás eligiendo dónde está la cámara, estás tratando de dejar de actuar, estás tratando de desarrollar el entretenimiento a través de una sensación de ritmo, claridad, todas esas cosas".
"Si el que hace el Storyboard aun no es el Director es solo porque aun no ha decidido como matar al director"
8. Dirigir en pareja puede ser difícil. Estos dos se manejan a través de una clara división del trabajo. Al escribir, Musker tiende a generar ideas en bruto y Clements las pule en un borrador de guión. Al dirigir, supervisan diferentes secuencias, canalizando la tradición de Disney de "directores de secuencia"; Musker a menudo toma comedia y acción, Clements escenas más dramáticas o sinceras. Musker expresa sus emociones sobre la asociación dibujando caricaturas de Clements. De manera crucial, dijo Clements, siempre sienten que quieren hacer la misma imagen, incluso cuando no están de acuerdo.
"Tienes que saber cual es tu labor cuando diriges, la tendencia actual es confundir roles, un dia voya escribir un poco mas amplio sobre el trabajo de director que muchos equivocadamente lo asocian a pegar de gritos a la gente que trabaja contigo"
9. Aprende a aceptar las críticas. Muchos artistas, jóvenes y viejos, no quieren escuchar comentarios constructivos, dijo Musker. "Mire su propio trabajo e intente ser objetivo al respecto: ¿qué tiene de débil?" Hoy en día, la abundancia de recursos y comunidades en línea brinda a las personas oportunidades incomparables no solo para obtener retroalimentación, sino también para buscarla activamente al poner su trabajo allí.
"No te ofendas si te corrigen, la animación es una construcción colectiva, nada es tuyo ahí es de todos y el error solo debe servir para que lo usen como peldaño para subir a donde quieres llegar"
10. La escuela no lo es todo. "Casi todo lo que aprendí sobre animación, no lo aprendí en la escuela", dijo Musker, reflexionando sobre su tiempo en Calarts. Él le da crédito a Larson por haberlo educado en el oficio: "El cambio de forma, las declaraciones positivas, las siluetas de valor ... la idea del momento, el carácter, la observación".
"Solo la practica profesional hará de ti un verdadero animador. "
Enlace al artículo original:
Secrets Of A Creative Marriage: 10 Animation And Filmmaking Tips From Disney Directors Ron Clements And John Musker
https://www.cartoonbrew.com/educational/secrets-of-a-creative-marriage-10-animation-and-filmmaking-tips-from-disney-directors-ron-clements-and-john-musker-193684.html?fbclid=IwAR0HPePm5qxf4zTA-8DlrC7O4TD9Pqs8VDbA19772awVdM-OnQHI5fZSfTo
sábado, 27 de junio de 2020
Sincronía labial, Lipsync (Animación)
Un articulo dedicado a la sincronía de labios en la animación. Es un tema interesante y con muchas variables. Empezaré diciendo que usualmente estamos en una región donde llevamos viendo series con doblajes desde hace mucho, mucho tiempo atrás por lo tanto estamos habituado a esa desincronía que a veces se puede producir en los actores o personajes animados y considerar que no es un problema. Segundo, cuando vemos un Plano general, un plano americano, incluso un plano medio amplio con dos o mas personajes hablando en escena, el lipsync mientras mantenga las vocales fuertes coincidentes con bocas abiertas, será asumida como sincrónica. Un ejemplo son los productos japoneses,que emplean dos o tres boca dibujadas para cubrir todo los textos y nadie se queja. Un tercer factores por supuesto la técnica a emplear, y los costos de producción. Así finalmente tendremos gente que hace sincronía labial con dos, cinco, nueve, o doce bocas base para combinarla y reproducir cualquier texto.
El Lipsync usualmente se planifica aparte pues su velocidad no debe amarrarse a la de otros movimientos del cuerpo, es en los Tumbnails donde usualmente uno hace esta planificación, evaluamos no solo la pronunciación sino la intención del texto. Trabajamos con palabras o frases operativas para marcar no solo la poses poses principales sino también las vocales o consonantes fuertes. No animamos letra por letra, sino trabajamos fraseando, también tomamos en cuenta de anticipar por lo menos tres Frames antes el dibujo al sonido. Esto lo conseguimos al hacer la marcación sonora (Breakdown sound).Otro detalle a juzgar o tomar en cuenta que es que hay que crear una vocalización propia para cada personaje, ademas de tomar en cuenta que hay que preparar plantillas de boca si el personaje tiene hocico, pico en vez de labios o tiene algún dejo o pronunciación particular (ejemplo, el habla de Silvestre, el gato que acecha a Piolin). Espero que este álbum los ayude a mejorar su Lipsync. Javier Prado Director de Animación Tradigital Studios.
Javier Prado
Director de Animación
Tradigital Studios