lunes, 23 de noviembre de 2020

La verdadera ciencia de la espinaca y lo que nos enseña la mitología de Popeye sobre cómo se propaga el error


 

"La verdad comienza hace más de cincuenta años. En 1870, Erich von Wolf, un químico alemán, examinó la cantidad de hierro en la espinaca, entre muchas otras verduras. Al registrar sus hallazgos, von Wolf perdió accidentalmente un punto decimal al transcribir datos de su cuaderno, cambiando el contenido de hierro en las espinacas en un orden de magnitud. Si bien en realidad solo hay 3,5 miligramos de hierro en una porción de 100 gramos de espinacas, el hecho aceptado se convirtió en 35 miligramos. 

Para poner esto en perspectiva, si el cálculo fuera correcto, cada porción de 100 gramos sería como comerse un pequeño trozo de un clip. Una vez que se imprimió este número incorrecto, el valor nutricional de la espinaca se volvió legendario. Entonces, cuando se creó Popeye, los ejecutivos del estudio le recomendaron que comiera espinacas por su fuerza, debido a sus propiedades saludables. ¡Aparentemente, Popeye ayudó a aumentar el consumo estadounidense de espinacas en un tercio! Este error finalmente se corrigió en 1937, cuando alguien volvió a verificar los números. 

Pero el daño ya esta hecho. Se extendió y se extendió, y solo recientemente se ha ido al borde del camino, sin duda ayudado por la relativa oscuridad de Popeye en la actualidad. Pero el error fue tan generalizado que el British Medical Journal publicó un artículo sobre este incidente de las espinacas en 1981, haciendo todo lo posible para finalmente desacreditar el problema."

 
Arbesman usa la historia de Popeye como una alegoría de amonestación contra el ego demasiado humano y nuestra propensión crónica a los atajos, cuya combinación nos hace demasiado perezosos para mirar más de cerca y demasiado temerosos de admitir que hemos estado ciegos y equivocados :

 

En última instancia, la razón por la que se propagan estos errores es porque es mucho más fácil difundir lo primero que encuentras, o el hecho que suena correcto, que profundizar en la literatura en busca del hecho correcto.

 

Pero quizás la reflexión más adecuada sobre lo que nos enseña la historia de Popeye se puede encontrar en la fantástica meditación de Dorion Sagan sobre por qué la ciencia y la filosofía se necesitan mutuamente , en la que él observa:

 

Es el espíritu de cuestionamiento, de curiosidad, de investigación crítica combinada con verificación de hechos. Es el espíritu de poder admitir que estás equivocado, de apelar a los datos, no a la autoridad, a la que no le gusta admitir que está mal.
Con información de:Brainpickings

Aquí tenemos memoria #FujimorismoNuncaMas


 

martes, 29 de septiembre de 2020

The Spirit

(*)Esta nota fue hecha a partir de las preguntas de Enrique Planas (El Comercio) para un artículo sobre el personaje, genial creación de Will Eisner. 

 “The Spirit” llegó con la primera hornada de superhéroes clásicos. Superman nació en 1938, Batman un año más tarde y en 1940 nacieron Flash y “The Spirit”. ¿Pero más allá del antifaz, estamos hablando de un superhéroe? 

 The Spirit fue un amplio territorio de experimentación. Eisner estaba absolutamente consiente que a pesar de que su editor lo contrataba para realizar un personaje super heroico para no perder ventas ante el auge del Comicbook de superhéroes, él tendría un público más sofisticado que el que compraba historietas. Denny Colt su protagonista “muere” y retorna a su carrear justiciera, la máscara no le otorga poderes y no tiene una identidad que ocultar pues él está “oficialmente” fallecido, en Colt la máscara más que hacerlo destacar hace que se pierda en el anonimato del ciudadano común, que es la antípoda de los trajes de colores brillantes. Cada semana Eisner y su equipo entregaba 7 páginas dominicales de The Spirit (En verdad 16 tenía el Sunday) donde exploraban lo alcances de la narrativa gráfica, muchas de las viñetas que mezclaban por ejemplo Splash páginas en forma de casas donde cada habitación era una viñeta que por el orden de lectura te hacía ir de un piso a otro eran cosas que se veían por vez primera en los comics.


 
En el prólogo de “Contrato con Dios” Eisner definiría lo que era el cómic para él:

“En retrospectiva, me doy cuenta de que estuve trabajando tan sólo una idea central: que el medio, la disposición de palabras e imágenes en el arte secuencial, era una forma artística en sí”

Will Eisner, junio 1985, “Contrato con Dios”/ Norma Editorial 2006 


 Teniendo conciencia de que lo que a era Arte Secuencial y no un sub género narrativo, contó temáticas cómicas, dramáticas, thrillers y ciencia ficción como lo hace cualquier arte consolidado. Eisner quería hacer historias cortas y auto conclusivas al estilo de Ring Lardner un periodista deportivo que escribió historias cortas satíricas sobre el deporte, el matrimonio y el teatro. Pero Busy Arnold le recordó que ellos querían a un tipo con disfraz. Así Eisner toma al detective Denny Colt, le dibuja un antifaz y guantes mientras sigue tratando de calmar la inquietud a su editor por teléfono y crea a The Spirit. 

Un detalle adicional el clásico sombrero Fedora era igual al que siempre usaba su Arnold, una broma interna, que al parecer su editor nunca noto. La aparición de personajes como Superman, Batman u otros superhéroes explican el interés de QualityComics en participar en el auge del Comicbook, pero el interés de la gente por los comics radicaba en su bajo costo, fácil lectura pero también porque representaban de manera diferente el espíritu y la ideología de la época de un país que salía de una gran depresión económica y que carecía de iconos propios así los superhéroes toman prestado de los héroes míticos su poder, así Superman encarnaba tanto a Sansón por su fuerza como a un Moisés rescatado de las aguas, Batman como Hades, Flash es sin dudas una encarnación de Mercurio y The Spirit tenía una “resurrección” , pero la gran diferencia es que The Spirit no es tan infalible como sus coetáneos, puede perder no solo una pelea, sino también en un trance amoroso y el final de sus historias el héroe no salva ni a la chica ni al desvalido.
“No hay otro como Will Eisner. No lo hubo antes, y en mis momentos más pesimistas dudo que vuelva a haberlo jamás”, dijo Alan Moore. ¿Cuál crees que fue la clave de su genio? 

 Eisner era un narrador maravilloso que ejecutaba con gran maestría relatos de distinta índole, historias con finales redondos, inesperados, personajes que trasuntaban humor, credibilidad a pesar de situaciones insólitas, había un realismo que podía tocar con naturalidad lo fantástico, el horror y la novela negra sin perder la identidad. Pero si me preguntas la clave, exactamente la clave tengo una respuesta a ello, Eisner era alevoso y premeditado se dio cuenta muy temprano que tenía entre sus manos algo totalmente diferente y que aún no había sido explorado en toda su magnitud, lo estudió tanto en su forma como su contenido y lo uso en beneficio de su narración no ponía una postura en el dibujo, una línea, un encuadre, composición y frase en bocadillo o fuera de él sin que el previamente no supiera como iba a funcionar para el lector.

 Al final si uno lee una compilación de los 12 años del personaje se dará cuenta que Will Eisner al final de cuentas se salió con la suya porque The Spirit es más el relato de la ciudad, de sus edificios desde los barrios más pobres, a los acaudalados, de sus habitantes, de los delincuentes, los marginales como de la gente honrada y los servidores de la ley, que habla en coro y aun así Denny Colt no aparezca en sus páginas en alguna de estas historias sabes que su Spirit está ahí como todos. 

¿Qué podríamos decir del típico humor de “The Spirit”, algo que los superhéroes de su época tardarían tanto tiempo en asimilar?

 El relato a pesar de hacer muchas veces novela negra detectivesca o thrillers, con crímenes de por medio no olvida que el humor sirve para mantener la pausa adecuada después o antes de las tramas truculentas, además su humor tenía la virtud de desmitificar al personaje y hacerlo más natural y cercano. Eisner tenía claro que estaba haciendo relatos en pocas páginas y tener remates humorísticos permitía conseguir elipsis temporales para saltar de una secuencia a otra donde se podía retomar la trama. Tampoco hay que olvidar que tenía a Jack Cole (Plastic Man) Bob Powell, Alex Kotzky y Lou Fine que antes de ser leyenda en el Noveno Arte eran un grupo de muchachos divertidos que junto con Will Eisner hacían Funnies , esto cambió finalizada la II Guerra donde hay mayor sofisticación en el humor como en la experimentación narrativa, que se acentuó con la llegada de Jules Feiffer.
Otra característica de “Spirit” era la presencia de las “mujeres fatales” que se cruzaban en su camino, en historias que siempre terminaban mal. ¿Crees que estamos frente a un personaje esencialmente romántico? 

The Spirit era un detective entregado a la causa de combatir a los criminales a cualquier riesgo o costo, pero donde realmente se notaba su vulnerabilidad era frente a las mujeres, no podía con ellas era su talón de Aquiles, no importaba si eran peligrosas o letales siempre termina enredado en sus encantos y en plan perdedor.Apuesto que muchos se sentirían muy identificados con el personaje y su relación con las mujeres en general. Frank Miller es católico, solemne, misógino y miembro del ala dura del Partido Republicano. Will Eisner era un judío bromista, mujeriego y demócrata furibundo. No puedo imaginar dos personajes más antagónicos. ¿Tienes alguna respuesta para explicar la cercana amistad que compartieron y la obsesión de Miller que le llevó a dirigir su primera película, basada en el personaje de Spirit? Si fuera Miller, All Capp, Disney e incluso Trump y conociera a Will Eisner no habría forma de no buscar ser amigo de su humor, bonhomía, genio y tampoco de dejar de admirar su obra. Ahora, después de ver la versión de Miller de The Spirit, ya no estaría tan seguro de la sinceridad de la amistad de Miller. 

 Javier Prado

viernes, 28 de agosto de 2020

Wakanda Forever- Chadwick Boseman 1977-2020

 


Chadwick Boseman, actor estadounidense conocido por su papel como #BlackPanther, falleció el día de hoy. Después de luchar contra el cáncer de colon durante 4 años. QEPD. (1976-2020). Demostró siempre ser un verdadero luchador. Descansa en paz rey de Wakanda #WakandaForever

viernes, 7 de agosto de 2020

El Eternauta edición integral.

 

ATENCIÓN! Lanzamiento 14 de agosto! Todo EL ETERNAUTA - EDICIÓN INTEGRAL TODO lo que hicieron Solano y Oesterheld sobre EL ETERNAUTA: .Eternauta 1 (EN VERTICAL!) .Episodio unitario de Hora Cero Extra .Cuento Hiroshima (escrito en 1962 y posteriormente ilustrado por Solano en 2005) .Eternauta 2 Son 632 páginas de 17 x 24 cm y un lomo de casi 4 cm

 Pueden conseguirlo en (Argentina):

En las siguientes librerías (en venta exclusiva por dos meses).

.Club del Comic

Marcelo T. de Alvear 2002 - (1122) CABA

www.clubdelcomic.com.ar @clubdelcomic

.Comic Center Colegiales

Av. Elcano 3017 - (1426) CABA

www.comiccenterstore.com.ar @comiccenterstore

.Comic Center Villa Urquiza

Av. Monroe 5342 - (1431) CABA

www.comiccenterstore.com.ar @comiccenterstore

Crossover Comics Store

Av. Gral. Paz 174, Loc. 05 - (5000) Córdoba Capital

www.crossover-comics.com @crossovercomicsstore

.Elektra Comics

Defensa 247 - (1065) CABA

www.elektracomics.com.ar @elektracomics

.Entelequia Centro

Uruguay 341 - (1015) CABA

www.entelequia.com.ar @entelequiagram

.Entelequia Belgrano

Juramento 2584 - (1428) CABA

www.entelequia.com.ar @entelequiabelgrano

.Fábrica de Historietas

Ayacucho 19 - (1025) CABA

facebook: fabricadehistorietas @fabricadehistorietas

.Puro Comic

3 de febrero 1180 - (2000) Rosario

www.purocomic.com.ar @purocomicrosario

.Sector 2814

Suipacha 892 - (1008) CABA

www.sector2814.com.ar @sector_2814_comiqueria



jueves, 6 de agosto de 2020

Hablando de Animación con Laboratorio Animado.


Hola este miércoles 12 de agosto a las 6 pm.(Hora Perú) estaré conversando con los amigos de Laboratorio Animado una red de animadores latinos que vienen haciendo un gran trabajo de difusión de esta naciente industria. Los invito cordialmente a encontrarnos! Los horarios están marcados en las imágenes.

domingo, 28 de junio de 2020

′′ Demasiado divertido para las palabras: las mejores Gags de Disney ′′


En 1927, él (Walt Disney) aseguró un nuevo contrato para producir una serie con Oswald The Lucky Rabbit. Esta era la oportunidad que había estado esperando. Aquí había un personaje que podía ser héroe y comediante que podría actuar de cualquier cosa desde un Charlie Chaplin hasta Doug Fairbanks, y que sin duda podría ser memorable. Walt no podía dibujar figuras cartoons más interesantes o hacer fotogramas por menos dinero, pero había una zona que conocía mejor que la mayoría – la risa.

Decidió hacer hincapié en los Gags (Chistes visuales). Como dijo Dick Huemer más tarde, ′′ Disney trajo una planificación cuidadosa y una atención meticulosa a los detalles e ideas, y gags, gags, gags. Tenía la mejor mente humorística que he encontrado." A pesar de que las dos primeras películas de Oswald fueron criticadas tanto por críticos como por distribuidores, Walt tenía confianza en el personaje y en su propia habilidad para encontrar las gags que harían de esta serie la más divertida producida en cualquier lugar.
En ese momento, sin embargo, incluso los distribuidores estaban cuestionando si los gags eran suficientes para sostener toda una película y empezaron a pedir más historia. Walt, el más grande de los narradores, reaccionó de una manera sorprendente.
"By the time you have a story really started," he said, "it is time to iris out (end the picture)
Traducido es algo así como:
′′ Para cuando tienes una historia realmente avanzada," y no has hecho reír al público es hora de irse (y acabar el dibujo) ′′
Obviamente, en la mente de Walt, el primero La prioridad en cualquier película fue la risa, y demasiada historia rápidamente se volvió tediosa. Nunca olvidó ese punto a lo largo de toda su vida, evitando constantemente proyectos que tenían más continuidad que entretenimiento."

Frank Thomas y Ollie Johnston, "Too Funny for Words: Disney's Greatest Sight Gags" pg. 20

Secretos de un matrimonio creativo: 10 consejos de los directores de Disney, Ron Clements y John Musker


Este articulo es oro puro. ¿Eres animador? bueno presta atención en CartoonBrew acaba de poner un articulo con 10 punto claves recomendados nada menos que por Ron Clements y John Musker el dúo de directores de animación con más éxito que ha tenido Walt Disney Company. Debajo una traducción libre con varias apostillas mias.

1. Cuente historias que exploten el medio de la animación. La pareja trata de evitar historias que podrían contarse como una novela o una obra de teatro en vivo. "Esa regla se ha vuelto un poco más borrosa", admitió Musker, "a medida que la acción en vivo ... se acerca mucho más a la animación, con la introducción de tecnologías digitales". Es escéptico sobre el próximo remake de acción real de Disney de The Little Mermaid : "Les deseo lo mejor con eso, pero [las personas que hablan y cantan bajo el agua] es una convención, una estilización, que creo que es más fácil de aceptar en una película dibujada a mano . "

2. Puedes encontrar personajes en cualquier lugar que mires. Clements dio el ejemplo de Glen Keane, quien animó a Ariel en La sirenita, y cuya personalidad propia moldeó la de ella: “Pensamos en Glen [cuando desarrollaba Ariel]. Salta a las cosas, es audaz ". Añadió, tentadoramente, "Hay algunos villanos que basamos en algunos de nuestros jefes".

3. Use canciones que avancen la narrativa. La pareja discutió su colaboración con el compositor Howard Ashman, quien fue cortejado por Disney a fines de la década de 1980, y eligió a La Sirenita de entre los diversos proyectos sobre la mesa. Ashman y los directores acordaron que “cualquier canción que estuviera en la película tenía que avanzar en la trama, el personaje o ambos. [De lo contrario] la historia se detenía durante la canción, y no queríamos que eso sucediera ". (Esto no le va a gustar a los chicos de Pixar).

4. Crea cada escena cinco veces. Clements aprendió esta lección de su mentor Frank Thomas, uno de los Nine Old Men de Disney: “Obtienes una escena de animación y piensas: 'Sé cómo quiero hacer eso'. No solo vayas con tu primer impulso. Oblíguese a idear cinco ideas diferentes sobre cómo animar la escena y luego elija la mejor ".
(Verdad ABSOLUTA, la animación siempre es un acto premeditado, no te sientes a animar sino te has esforzado pro ver de manera creativa tu escena previamente en las miniatura (thumbnails). Leyeron no es cierto señores de Intro a la animación.)

5. Deje que la audiencia vea la imagen divertida. Este consejo específico fue transmitido a Musker por Ward Kimball, otro de los Nueve Viejos, a través del animador Cliff Nordberg. Se trata esencialmente de tiempo en la comedia, de pausar cuando sea necesario. "A veces tengo una tendencia a pasar por cosas tan rápidas", dijo Musker, "pero hay un cuadro divertido que, si no permites que el público vea esa imagen, pierdes algo".
Corolario: Si el público no lo ve o no lo entiende, revisa tu timing.

6. Piensa en la nariz. Musker recordó otra lección de comunicación visual de Nine Old Man Eric Larson, en la que ha recurrido muchas veces. Larson lo instó a considerar la nariz de un personaje como "un puntero gráfico que señala hacia dónde quiere ir su ojo". Entonces, si alguien está hablando con alguien, asegúrese de que la nariz no lo guíe en otra dirección ".

7. Storyboarding es el mejor camino para dirigir. Musker señaló que la mayoría de los directores de Disney, incluidos él y Clements, tienen experiencia en este campo. "Storyboarding es como dirigir en papel", explicó. "Estás eligiendo dónde está la cámara, estás tratando de dejar de actuar, estás tratando de desarrollar el entretenimiento a través de una sensación de ritmo, claridad, todas esas cosas".
"Si el que hace el Storyboard aun no es el Director es solo porque aun no ha decidido como matar al director"

8. Dirigir en pareja puede ser difícil. Estos dos se manejan a través de una clara división del trabajo. Al escribir, Musker tiende a generar ideas en bruto y Clements las pule en un borrador de guión. Al dirigir, supervisan diferentes secuencias, canalizando la tradición de Disney de "directores de secuencia"; Musker a menudo toma comedia y acción, Clements escenas más dramáticas o sinceras. Musker expresa sus emociones sobre la asociación dibujando caricaturas de Clements. De manera crucial, dijo Clements, siempre sienten que quieren hacer la misma imagen, incluso cuando no están de acuerdo.
"Tienes que saber cual es tu labor cuando diriges, la tendencia actual es confundir roles, un dia voya escribir un poco mas amplio sobre el trabajo de director que muchos equivocadamente lo asocian a pegar de gritos a la gente que trabaja contigo"

9. Aprende a aceptar las críticas. Muchos artistas, jóvenes y viejos, no quieren escuchar comentarios constructivos, dijo Musker. "Mire su propio trabajo e intente ser objetivo al respecto: ¿qué tiene de débil?" Hoy en día, la abundancia de recursos y comunidades en línea brinda a las personas oportunidades incomparables no solo para obtener retroalimentación, sino también para buscarla activamente al poner su trabajo allí.
"No te ofendas si te corrigen, la animación es una construcción colectiva, nada es tuyo ahí es de todos y el error solo debe servir para que lo usen como peldaño para subir a donde quieres llegar"

10. La escuela no lo es todo. "Casi todo lo que aprendí sobre animación, no lo aprendí en la escuela", dijo Musker, reflexionando sobre su tiempo en Calarts. Él le da crédito a Larson por haberlo educado en el oficio: "El cambio de forma, las declaraciones positivas, las siluetas de valor ... la idea del momento, el carácter, la observación".
"Solo la practica profesional hará de ti un verdadero animador. "

Enlace al artículo original: 

Secrets Of A Creative Marriage: 10 Animation And Filmmaking Tips From Disney Directors Ron Clements And John Musker


https://www.cartoonbrew.com/educational/secrets-of-a-creative-marriage-10-animation-and-filmmaking-tips-from-disney-directors-ron-clements-and-john-musker-193684.html?fbclid=IwAR0HPePm5qxf4zTA-8DlrC7O4TD9Pqs8VDbA19772awVdM-OnQHI5fZSfTo

sábado, 27 de junio de 2020

Sincronía labial, Lipsync (Animación)


Un articulo dedicado a la sincronía de labios en la animación. Es un tema interesante y con muchas variables. Empezaré diciendo que usualmente estamos en una región donde llevamos viendo series con doblajes desde hace mucho, mucho tiempo atrás por lo tanto estamos habituado a esa desincronía que a veces se puede producir en los actores o personajes animados y considerar que no es un problema. Segundo, cuando vemos un Plano general, un plano americano, incluso un plano medio amplio con dos o mas personajes hablando en escena, el lipsync mientras mantenga las vocales fuertes coincidentes con bocas abiertas, será asumida como sincrónica. Un ejemplo son los productos japoneses,que emplean dos o tres boca dibujadas para cubrir todo los textos y nadie se queja. Un tercer factores por supuesto la técnica a emplear, y los costos de producción. Así finalmente tendremos gente que hace sincronía labial con dos, cinco, nueve, o doce bocas base para combinarla y reproducir cualquier texto.
Lipsync del gran animador Aaron Blaise

El Lipsync usualmente se planifica aparte pues su velocidad no debe amarrarse a la de otros movimientos del cuerpo, es en los Tumbnails donde usualmente uno hace esta planificación, evaluamos no solo la pronunciación sino la intención del texto. Trabajamos con palabras o frases operativas para marcar no solo la poses poses principales sino también las vocales o consonantes fuertes. No animamos letra por letra, sino trabajamos fraseando, también tomamos en cuenta de anticipar por lo menos tres Frames antes el dibujo al sonido. Esto lo conseguimos al hacer la marcación sonora (Breakdown sound).Otro detalle a juzgar o tomar en cuenta que es que hay que crear una vocalización propia para cada personaje, ademas de tomar en cuenta que hay que preparar plantillas de boca si el personaje tiene hocico, pico en vez de labios o tiene algún dejo o pronunciación particular (ejemplo, el habla de Silvestre, el gato que acecha a Piolin). Espero que este álbum los ayude a mejorar su Lipsync. Javier Prado Director de Animación Tradigital Studios.




Javier Prado
Director de Animación
Tradigital Studios

martes, 23 de junio de 2020

Superman: Man of Tomorrow


El pasante de Daily Planet, Clark Kent, lleva el aprendizaje en el trabajo a nuevos extremos cuando Lobo y Parasite ponen su mirada en Metrópolis en Superman: Man of Tomorrow, disponible más tarde en el verano de 2020 en Digital, 4K, Blu-ray y DVD.

Producida por Warner Bros. Animation, DC y Warner Bros. Home Entertainment, Superman: Man of Tomorrow es la 41a película de la popular serie de DC Universe Movies.

Darren Criss, a quien se puede ver en Netflix este fin de semana protagonizando el nuevo drama de Ryan Murphy Hollywood , liderará el elenco de Superman: Man of Tomorrow como el gran explorador azul. Zachary Quinto, que comenzó a interpretar al súper villano asesino Sylar en Heroes de NBC , presentará aquí uno de los mejores supervillanos de todos los tiempos: Lex Luthor. Alexandra Daddario ( San Andreas ) interpretará a Lois Lane.

Además, los villanos de Superman Lobo y Parasite también aparecerán en la película, con Ryan Hurst (The Walking Dead) interpretando el papel de "The Man Man", mientras que el parásito (Rudy Jones) será la voz de la estrella de los agentes de SHIELD Brett Dalton.

El resto del elenco de voces incluye a Ike Amadi ( Mass Effect 3 ) como su compañero superhéroe Martian Manhunter, Neil Flynn ( Scrubs ) como Jonathan Kent y Bellamy Young ( Scandal ) como Martha Kent. Superman: Man of Tomorrow está dirigida por Chris Palmer ( Voltron: Legendary Defender ) y escrita por Tim Sheridan ( The Death of Superman ), con Butch Lukic ( Justice League, Batman Beyond ) como productor supervisor.



sábado, 13 de junio de 2020

Las aventuras del camélido más audaz del orbe.

Robo en Limamanta City