Paturuzú

Patoruzú (Curugua Curuguagüigua) de Dante Quinterno, creado en 1928 este indio patagón, de increíble fuerza, fortuna ilimitada e ingenuidad y nobleza. La historia sufrió una serie de ajustes en el tiempo haciendo pasar de un rol secundario a un personaje protagónico.

Era un personaje muy nacionalista y las historias exageradas y absurdas pero muy entretenidas, por supuesto siempre en la óptica del tiempo en que fueron creadas. El personaje cobró tanta presencia que a su propio título fue sumando otros salidos de los personajes secundarios o en su versiones infantiles.

Aquí una recopilación de muchas de sus portadas en su formato apaisado. Después del salto.

Will Eisner y la narrativa dibujada

Recordar o revisar a Will Eisner y su obra no necesita un motivo o fecha particular, pero bueno, aprovechamos el reto de amigos y colegas que publican las historietas que de algún modo los impactaron profesionalmente y se convirtieron en sus favoritas para repasar al maestro de maestros Will Eisner.

The Spirit aparece en Junio de 1940 y constituye sin lugar a dudas uno de los mejores cómics americanos de todas las épocas, tanto por sus guiones redondos, sus aportes gráficos y su narrativa excelente, su autor Will Eisner guionizo, dibujo, imprimió, hizo empresa, teorizó y prácticamente creó lo que ahora se le conoce como "Novela Gráfica" por suerte como autor se repuso a su fama y experimentó en el relato de largo aliento con historias auto conclusivas así entregó excelentes títulos como "El Edificio", "La Avenida Dropsie", "Vida en otro planeta", "El Soñador" y un largo etcétera lleno de calidad.

William Erwin Eisner (Brooklyn, Nueva York, 6 de marzo de 1917 - Lauderdale Lakes, Florida, 3 de enero de 2005) fue un influyente historietista estadounidense, creador del famoso personaje The Spirit en 1941 y popularizador del concepto de novela gráfica a partir de 1978. Además de su carrera como historietista, Eisner enseñó las técnicas del cómic en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y escribió dos obras fundamentales acerca de su creación: El cómic y el arte secuencial (Comics and Sequential Art, 1985) y La narración gráfica (Graphic Storytelling and Visual Narrative, 1996).

La obra de Eisner tuvo una importancia decisiva para sacar al medio de su confinamiento como medio de entretenimiento para niños y adolescentes. En su honor se crearon en 1988 los Premios Will Eisner, entregados anualmente en la Convención Internacional de Cómics de San Diego.

Así que tome asiento y disfrute de esta pequeña galería después del sato.

Se abre la convocatoria para los premios Annie a lo mejor de la animación

Se viene la versión 46º del premio anual a lo mejor de la animación los Annie Award. Los premios de este año incluyen 10 categorías de producción y 22 categorías de logros, así como premios honorarios para el logro de toda la vida, filantropía, avance técnico, logros especiales y servicios meritorios. Visita el sitio web de asifa-Hollywood para más detalles.
https://annieawards.org/

Los Annie Awards es un show de premiación para la animación en todas sus variantes cortometrajes, largometrajes, comerciales, spots de estudiantes, efectos especiales, etc. creado por la International Animated Film Society considerada la "mayor premio en la animación" dado que es un jurado especializado quien lo otorga el premio sirve para celebrar las carreras y contribuciones dentro de los campos de la producción, dirección,animación, diseño, guión, actuación de voces, efectos sonoros y efectos especiales. Desde el año 1992 que se inicio premiando al mejor film animado del año a estado reconociendo a lo mejor de la industria donde viven los sueños.

Russ Heath 1927-2018

La familia de Russ Heath confirmó que la leyenda del cómic falleció el día jueves por la tarde a la edad de 91 años en Long Beach, California, después de lucha larga contra el cáncer según informó Newsarama.

Nacido en 1927, Heath se inició publicando en Timely Comics (ahora Marvel Entertainment)incluyendo Two-Gun Kid. Trabajó las historias de horror y guerra, en EC Comics durante un tiempo antes de co-crear el Haunted Tank en DC Comics y dibujar la primera aparición de  Losers.

Las ilustraciones de Heath eran bien conocidas fuera de los cómics también. Varias viñetas de aviones de combate de su trabajo sobre cómics de guerra publicados en DC fueron utilizados por Roy Lichtenstein para sus famosas pinturas pop art, incluyendo sus obras como  “Blam”, “Brattata” y “Whaam”. Una experiencia que Heath describió en un cómic de una página que escribió y dibujó en 2012 para The Hero Initiative, una organización que defendió a Heath y que le brindó  asistencia sustancial en su último año cuando su movilidad se deterioró más.

Russ Heath también contribuyó a la tira cómica Little Annie Fanny de Playboy, incluso vivió en la Mansión Playboy durante un breve período.

Sin embargo, el nicho de Heath estaba en los comics de guerra, en los que trabajó para Timely, EC y eventualmente DC Comics, donde disfrutó de largas sagas en Our Army at War y GI Combat . Le otorgaron el premio Inkpot en 1997, en 2014 National Cartoonists Society’s Milton Caniff Award y lo incluyeron en el Salón de la fama del cómic de Will Eisner en el 2009. Junto a Wood, Severin, Davis era un verdadero virtuoso del dibujo un clásico, con manejo notable de la composición, dinamismo, claroscuro y amor por el detalle.
Una hermosa galería de sus trabajos después del salto....

Decálogo para trabajar en Animación y morir en el intento.

Un decálogo básico para animadores , ilustradores y otros artistas independientes, cortesía de la Asociación profesional de ilustradores de Madrid.

La animación es un sector enorme que abarca desde las grandes producciones cinematográficas, hasta los pequeños cortometrajes independientes, pasando por los videojuegos, la publicidad, y la televisión. En todos estos medios, hay multitud de ilustradores haciendo su trabajo bien para diseñar personajes, dibujar fondos, hacer layouts, crear concept art, etc.

En APIM consideramos que es muy necesario que un sector tan grande como es la animación, y tan lleno de ilustradores e ilustradoras trabajando a un nivel excelente, comience a tomar conciencia de colectivo profesional.

Es por eso que en APIM hemos desarrollado un pequeño “Decálogo de Animación para no morir en el intento”. Nuestro objetivo es contribuir a plantear un cambio de paradigma en el sector para que seamos conscientes de nuestra problemática y tengamos herramientas a nuestro alcance con las que combatirlas.

Las desventuras de Pilón

4° Encuentro de Narradores Gráficos en la Casa de la Literatura Peruana

Del jueves 13 al sábado 15 de setiembre de 2018, en el auditorio de la Casa de la Literatura Peruana (Jr. Áncash 207, Centro Histórico de Lima), se realizará el 4° Encuentro de Narradores Gráficos, el cual se plantea como un espacio de diálogo y reflexión sobre la producción de la narrativa gráfica nacional. Habrá conversatorios, talleres y feria de fanzines, todos ellos son de ingreso libre.

En este encuentro participarán ilustradores, historietistas e investigadores del cómic nacional, quienes a través de mesas redondas, presentaciones de revistas y talleres comentarán el desarrollo de la historieta en el país. Asimismo, debatirán sobre cómo ha ido avanzando este arte en el Perú y propondrán algunas rutas para promover una producción sostenida de cómics.

Entre los participantes al evento estarán Julio Carrión, conocido con el nombre artístico de Karry; David Galliquio, Fernando Laguna, Carlos Castellanos, Eduardo Yaguas, Brenda Román, Agueda Noriega y Avril Filomeno. Así también, Carla Sagástegui, Melvin Ledgard y Javier Prado.

Las mesas y presentaciones se realizarán de 5:00 a 8:00 p.m. en el auditorio de la Casa de la Literatura. El programa lo compartiremos en los próximos días.



EL HOMENAJE DE ESTE AÑO

Como cada año, el Encuentro de Narradores Gráficos, organizado por la Casa de la Literatura, rendirá homenaje a un destacado historietista en mérito a su trayectoria y por sus aportes a la narrativa gráfica nacional. Así, este año el homenaje central se realizará a Javier Flórez Del Águila (Trujillo, 1934).

Médico de profesión, especializado en Neurología, y alumno libre en la Escuela de Bellas Artes, don Javier Flórez del Águila empezó a publicar sus trabajos en 1954 en Avanzada, revista donde brillaron pinceles como los de Juan Osorio y Hernán Bartra, la dupla Osito-Monky. Allí creó historias de corte policial, bélico, histórico y religioso con las historietas “Capitán Alas”, “El Señor Psiq”, “El Otorongo” y “El Padre La Fuente”. En 1971 ganó un concurso organizado por el diario El Comercio con su historieta Selva Misteriosa, obra que consolidó su propuesta artística.

Selva misteriosa es una historia de aventuras, que tiene como protagonista a Javico, quien enfrenta a villanos de distinta calaña que moran en la Amazonía. Los temas que aborda en ella Flórez del Águila son de la actualidad de su época, componiendo así un relato costumbrista, donde se plantean los problemas amazónicos incluyendo también elementos fantásticos.

El homenaje a Javier Flórez del Águila se realizará el sábado 15 de setiembre, a las 6:00 p.m., en una mesa donde participarán además del invitado de honor, Humberto Costa, Melvin Ledgard y Javier Prado. Ese día se proyectará un reportaje en video sobre este destacado historietista y se le hará entrega de una estatuilla como reconocimiento a su importante labor artística.

TALLERES GRATUITOS

El viernes 14 y sábado 15 de setiembre se realizarán talleres gratuitos en el cual el público podrá participar libremente, por orden de llegada y hasta completar las vacantes.

A continuación la lista de talleres:

Taller Creación de Fanzines
Dirige: Fernando Laguna
Día: viernes 14
Hora: de 5:30 a 7:00 p.m.
Lugar: Sala de Embajadores

El mismo taller se repite el: sábado 15 (no es necesario asistir a las dos fechas)

Hora: 2:00 a 3:30 p.m.
Lugar: Sala de Embajadores



Taller de humor gráfico
Dirige: Julio Carrión (Karry)
Día: viernes 14
Hora: de 4:00 a 5:30 p.m.
Lugar: Sala de Exposición 3

El taller se repite el sábado 15 (no es necesario asistir a las dos fechas)

Hora: de 11:00 a 12.30 p.m.
Lugar: Sala Carlos Oquendo de Amat



Taller de iniciación a la historieta
Dirigen: Águeda Noriega y Miguel Det
Día: viernes 14
Hora: de 4:00 a 5:20 p.m.
Lugar: Sala de Embajadores

El mismo taller se repite el sábado 15 (no es necesario asistir a las dos fechas)

Hora: de 11:00 a.m. a 12:30 p.m.
Lugar: Sala de Embajadores



FERIA DE FANZINES

Como cada año, la Casa de la Literatura habilitará un espacio para la realización de la Feria de historieta, fanzines y artes. En esta actividad participarán como expositores: Miguel Det, Águeda Noriega, Amagineria, Fernando Laguna, Karry, la revista Carboncito, entre otros.

https://www.facebook.com/events/245484672961553/

Animando juntos, cliente y animador

Por mucho tiempo me he dedicado a la Animación de comerciales para la TV, en ese transcurso he tenido que lidiar con directores de arte, ejecutivos de cuenta, publicistas y hasta editores que no facilitaron crear un buen ambiente de colaboración y trabajo. Por suerte no fueron la mayoría, siento que estos desencuentros son fácilmente superables en tanto se comprenda mejor la naturaleza de nuestro trabajo y que se entienda que animamos juntos cliente, agencia y realizadores.

El primer pensamiento que me gustaría presentar es muy sencillo, trata de la esencia misma de nuestro arte:

Animar no es lo mismo que producir live-action. En la animación no basta con echar andar una cámara y grabar, cada segundo es creado por el animador. Sí es cierto, no existe en el teclado un botón para animar automáticamente, ni software que lo haga. Desde la explosión de un planeta pasando por un T-Rex deglutiendo a su presa o un simple pelo que se mueve en pantalla hay un animador creando cuadro a cuadra ese movimiento.

Lo claro es que si quiere que su comercial se realice en Animación y que resulten verdaderamente efectivo, utilice las ventajas de este medio, que son muchas como permitir un alto grado de recordación, neutralidad, síntesis o la calidad de entretenimiento per se que se obtiene con personajes fantásticos en movimiento.
No es la tecnología de punta quien garantiza que obtendrá la calidad de movimiento a lo “Pixar” o “Walt Disney” es el trabajo del equipo de animación además del tiempo adecuado para ejecutarlo. El primer requisito de un buen trabajo es el empleo de medios y procesos adecuados.

El éxito de su comercial está basado en una buena idea, contada de manera clara a través de la narrativa audiovisual, la animación es poderosa hará que su spot se destaque, pero colocar algo animado no hace automáticamente un buen comercial. Porque animación no es que los muñecos se desplacen de un lado a otro de la pantalla sin ningún sentido como adorno. Permita al animador participar en la elaboración del Storyboard, su conocimiento aportará tanto en la parte creativa como reducirá las interrogantes de lo que se quiere hacer en cada plano.

No basta un buen diseño gráfico el personaje escogido para aparecer en el comercial debe tener personalidad propia para ser más creíble a la audiencia. No está de más crearle un perfil psicológico para que se destaque, evitando caracteres de movimientos monótonos e intrascendentes.

Después de la confección del Storyboard es el sonido previo lo que permitirá una mejor realización, pues marcará tanto el ritmo como la actuación de los personajes para animar. Así tanto ustedes como nosotros ya no sufriremos viendo a personajes hablando fuera de sincronía en pantalla.

Solicite una prueba de línea (vista previa en Rough).Aunque el tiempo de producción se prolongue, evitará correcciones posteriores y se asegurará que se refleje exactamente lo que se concibió de un inicio. No tema explicar hasta el último detalle de lo que desea, pero dígaselo al animador o escríbalo. El exceso de intermediarios en la información deforma o suprime ideas valiosas.


Crucial es que el tiempo de producción sea planteado por la producción y no impuesto por la Agencia sin consultar previamente. El “para ayer” no funciona en animación sin excepción, un buen resultado se consigue con el tiempo necesario para lograrlo. El realizador le indicará la necesidad en tiempo, de acuerdo a la técnica, cantidad de personajes, tipo de acabados que solicite y la duración del comercial.

A veces la información sobre la técnica de animación confunde en vez de ayudar, la buena animación no guarda relación con la cantidad de dibujos o Frames que se ocuparan por segundo. La animación no es como la ilustración, no puede usted parar por ejemplo el comercial en un Frame, ver un Smear (dibujos alargados o deformados para crear ciertos efectos de velocidad) y decir que ése no es el personaje. Ni pedir las hojas de animación para contar cuantos dibujos hicieron, aparte de ser poco decoroso lo que realmente importa es el resultado, no cantidad de dibujos empleados para el resultado.

Estos pasos sencillos permitirá conseguir mejores resultados tanto para los comerciales como para el clima de trabajo cuando se realizan, porque no se trata de “mandar” hacer el comercial, se trata de animarlo juntos.

Javier Prado
Director y realizador de Animación.

"Pixar descubre como trabajar historias espontáneamente".

No, en verdad es una broma el titular. Pero si algún artista de la animación ha trabajado en un estudio sabrá que la espontaneidad solo se permite en la fase creativa del proyecto, pero luego llegan los ejecutivos y sus necesidades para el mercado, de ahí el pipeline es riguroso hasta la entrega final.
Bueno Pixar esta tratando de salir del check ejecutivo para hacer cortometrajes donde solo sean los artistas del estudio quienes intervengan, a esta iniciativa la llaman Smash and Grab y la vienen manejando internamente desde el 2016.
Como el blog de Pixar cuenta:

"En la conferencia SIGGRAPH 2018, Pixar proporcionará detalles adicionales sobre su segundo cortometraje incluido en la iniciativa experimental de narración, Purl .

La iniciativa permite la creación de cortometrajes aprobados en el estudio sin supervisión ejecutiva, lo que permite a los cineastas explorar sus visiones creativas y aumentar las oportunidades de estudio.
Este es un programa tan emocionante para los artistas que les gustaría trabajar en asignaciones extensas mientras aún administran su carga de trabajo existente para desarrollar sus propias pasiones creativas. Pero los artistas también tienen que estar alerta ya que los presupuestos suelen ser un 20% del presupuesto de una película corta normal y solo se le otorgan aproximadamente seis meses de tiempo de producción."

Puedes leer más sobre Purl y Pixar en:
https://www.pixarpost.com/2018/08/pixar-purl-at-siggraph-2018.html

Montesinos dice que película "Caiga quien caiga" afecta su buena imagen

Primera imagen de Dora la Exploradora con Isabel Moner

Paramount Players anunció hoy que la adaptación cinematográfica de la serie animada para niños ganadora del Premio Peabody de Nickelodeon, Dora the Explorer , inició su filmación en Gold Coast, Queensland, Australia, y lo hizo mostrando la primera imagen de Dora encarnada en la actriz con ascendencia peruana Isabel Moner (100 Things to Do Before High School, Transformers: el último caballero, Sicario: Day of the Soldado , Instant Family).
Sinopsis:
Habiendo pasado la mayor parte de su vida explorando la jungla con sus padres, nada podía preparar a Dora, para la aventura más peligrosa que jamás haya tenido: el High School.
Siempre la exploradora, Dora rápidamente se encuentra liderando a Boots (su mejor amigo, un mono), Diego y un grupo de adolescentes en una aventura de acción en vivo para salvar a sus padres y resolver el misterio imposible detrás de una civilización Inca perdida.
Se estrena el próximo año.
Con información de Comingsoon

¿Quien maneja la mototaxi?

#MotoTaxi, #SenoraK #FujimoriNuncaMas

Los nominados a los premios Harvey 2018

ReedPOP y el Comité Directivo de los Premios Harvey anuncian los nominados a los premios Harvey 2018. Nombrados así en honor del fallecido dibujante de MAD, Harvey Kurtzman, los premios honran los logros sobresalientes en la industria del cómic. Este año celebrando su histórico 30 aniversario,  se entregarán el 5 de octubre de 2018 durante el New York Comic Con.



NUEVA YORK, NY - 9 de agosto de 2018 - Los Premios Harvey revelaron hoy los nominados y las nuevas categorías que debutarán en la celebración del 30 aniversario de los premios. Las nuevas categorías incluye: Libro del año, Libro digital del año, Mejor libro para niños o adultos jóvenes, Mejor adaptación de cómic / Novela gráfica, Mejor manga y Mejor libro europeo.
La votación ahora está abierta para profesionales de la industria elegibles ....

• Book of the Year

• BLACK HAMMER: SECRET ORIGINS by Jeff Lemire, Dean Ormston and Dave Stewart (Dark Horse)
• BOUNDLESS by Jillian Tamaki (Drawn and Quarterly)
• EVERYTHING IS FLAMMABLE by Gabrielle Bell (Uncivilized Books)
• HOSTAGE by Guy Delisle (Drawn and Quarterly)
• KINDRED by Octavia E. Butler, adapted by Damian Duffy and illustrated by John Jennings (Abrams ComicArts)
• LIGHTER THAN MY SHADOW by Katie Green (Lion Forge)
• MONSTRESS by Marjorie Liu and Sana Takeda (Image)
• MY FAVORITE THING IS MONSTERS by Emil Ferris (Fantagraphics)
• ROUGHNECK by Jeff Lemire (Gallery 13)
• SHADE THE CHANGING GIRL by Cecil Castellucci and Marley Zarcone (DC Comics)
• SPINNING by Tillie Walden (First Second)
• THE BEST WE COULD DO by Thi Bui (Abrams Books)
• THE CUSTOMER IS ALWAYS WRONG by Mimi Pond (Drawn and Quarterly)
• THE FLINSTONES by Mark Russell and Steve Pugh (DC Comics)
• THE PRINCE AND THE DRESSMAKER by Jen Wang (First Second)

• Digital Book of the Year

• BANDETTE by Paul Tobin and Colleen Coover (Monkeybrain)
• BARRIER by Brian K. Vaughn, Marcos Martin and Muntsa Vicente (Panel Syndicate)
• CHECK, PLEASE!: #HOCKEY by Ngozi Ukazu (checkpleasecomic.com)
• NOT DRUNK ENOUGH by Tessa Stone (ndecomic.com)
• THE TEA DRAGON SOCIETY by Katie O’Neill (teadragonsociety.com)

• Best Children or Young Adult Book

• BRAVE by Svetlana Chmakova (JY)
• REAL FRIENDS by Shannon Hale and LeUyeun Pham (First Second)
• SPINNING by Tillie Walden (First Second)
• THE PRINCE AND THE DRESSMAKER by Jen Wang (First Second)
• THE TEA DRAGON SOCIETY, by Katie O’Neill (Oni Press)

• Best Adaptation from a Comic Book/Graphic Novel

• ATOMIC BLONDE (Focus Features) – Directed by David Leitch. Adapted from "The Coldest City" (Oni Press)
• BLACK PANTHER (Walt Disney Pictures) - Directed by Ryan Coogler. Adapted from "Black Panther" (Marvel Comics)
• THE LEGO BATMAN MOVIE (Warner Bros.) - Directed by Chris McKay. Adapted from "Batman" (DC Comics)
• LOGAN (20th Century Fox) - Directed by James Mangold. Adapted from "Wolverine" (Marvel Comics)
• MY FRIEND DAHMER (FilmRise) - Directed by Marc Meyers. Adapted from "My Friend Dahmer" (Abrams ComicArts)
• PREACHER (AMC) - Developed by Sam Catlin, Seth Rogen, Evan Goldberg. Adapted from "Preacher" (DC/Vertigo)
• RIVERDALE (The CW) - Developed by Roberto Aguirre-Sacasa. Adapted from "Archie" (Archie Comics)
• THE END OF THE F***ING WORLD (Netflix) - Written by Charlie Covell. Adapted from "The End of the F***ing World" (Fantagraphics)
• THOR: RAGNAROK (Walt Disney Pictures) - Directed by Taika Waititi. Adapted from "Thor" (Marvel Comics)
• WONDER WOMAN (Warner Bros.) - Directed by Patty Jenkins. Adapted from "Wonder Woman" (DC Comics)

• Best Manga

• MY BROTHER'S HUSBAND by Gengoroh Tagame Anne Ishii (Pantheon Graphic Library)
• MY HERO ACADEMIA by Kohei Horikoshi (Viz Media)
• MY LESBIAN EXPERIENCE WITH LONELINESS by Nagata Kabi (Seven Seas)
• TOKYO GHOUL by Sui Ishida (Viz Media)
• YOUR NAME by Makoto Shinkai and Ranmaru Kotone (Yen Press)

• Best European Book

• AUDUBON: ON THE WINGS OF THE WORLD by Fabien Grolleau and Jerémie Royer (Nobrow)
• CALIFORNIA DREAMIN': CASS ELLIOT BEFORE THE MAMAS & THE PAPAS by Pénélope Bagieu (First Second)
• FLIGHT OF THE RAVEN by Jean-Pierre Gibrat (IDW)
• THE GHOST OF GAUDI by El Torres and Jesús Alonso Iglesias (Magnetic Press)
• THE LADIES IN WAITING by Santiago García and Javier Olivares (Fantagraphics))

Los nominados para los premios de este año fueron seleccionados por un grupo selecto de diversas voces de la industria y serán votados por profesionales elegibles de la industria. Utilizando la extensa red de profesionales del cómic y la industria de ReedPOP, los asistentes que hayan sido aprobados previamente para una insignia Pro Alley o Artist Alley Badge en una convención cómica ReedPOP 2016, 2017 o 2018 (New York Comic Con, Emerald City Comic Con, C2E2) son automáticamente elegibles para emitir su voto. La votación concluirá el 3 de septiembre.
http://www.harveyawards.com/Homepage/

Las aventuras de Indiana Jones Animadas de Patrick Schoenmaker

El famoso arqueólogo Indiana Jones está inmerso en la búsqueda de su vida, pero esta vez en versión totalmente animada en este proyecto del fan y artista Patrick Schoenmaker. Durante el transcurso de cinco años, este apasionado seguidor del doctor Jones ha elaborado la secuencia de apertura de lo que podría ser la serie de televisión definitiva: ‘Las aventuras de Indiana Jones’.


Todo comenzó en torno al estreno de ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’, cuando Lucasfilm y ACME Archives encargaron a Schoenmaker que crease unos diseños conceptuales de Indiana Jones con estilo de dibujo animado. Aunque Lucasfilm no tenía ningún interés en ver una versión animada de Indy, Patrick simplemente no podía dejar de pensar en la posibilidad y tuvo que llevarlo a la vida como un proyecto amateur. Cinco años más tarde el corto animado de Indiana Jones está completo y esperando una oportunidad.

" El arte y la mecánica de la animación: la colección JJ Sedelmaier "

" El arte y la mecánica de la animación: la colección JJ Sedelmaier " muestra la invención y el desarrollo de equipos de animación a lo largo del siglo XX. La exposición está organizada por JJ Sedelmaier, propietario de White Plains, Nueva York estudio de animación comercial que ha animado proyectos como Beavis and Butt-Head y Saturday Night Live’s “The Ambiguously Gay Duo.” la exhibición se realizó en el Museo Grohmann en la Escuela de Ingeniería de Milwaukee.

La exhibición presenta equipos, materiales y diversas aplicaciones ademase obras de arte utilizadas en el proceso de producción a lo largo del siglo XX en la industria de la animación, aunque la producción y etapas para conseguir una producción animada hoy se soporta en lo digital, cada etapa y nombre se ha mantenido dentro de los softwares que los reemplazan. JJ Sedelmaier ha estado recolectando estos materiales desde que ingresó a la industria en 1980, y presenta no solo el equipo, sino también las historias detrás de las máquinas: quién las usó, cómo las encontró y qué propósito cumplieron en la producción. "Cada pieza que ves tiene una historia detrás", dice. "Ya sea la persona o el estudio que lo utilizó, o las producciones para las que se utilizó, todos tienen un linaje único".

1. Bray Punch (perforador para registros)

JJ Sedelmaier: este artilugio de hierro fundido se utilizaba para perforar los orificios de registro en hojas de papel y acetato en un momento en que los dibujos se realizaban en una mesa de luz y se trazaban con tinta y / o pintura en "celdas" de acetato. Los orificios de registro correspondían a clavijas (a veces dos redondas, a veces dos cuadradas con una sola clavija redonda en el centro) que todos los artistas y la gente de la cámara utilizaron en la producción de las caricaturas.

Esta máquina en particular data de 1914 y originalmente había sido un martillo de encuadernación de libros que había sido modificado para funcionar para el proceso de producción de animación. Se activaba con un pedal y perforaba hasta cinco o siete hojas simultáneamente. El desecho del papel o acetato se almacenaba  automáticamente en un cajón deslizante de madera ubicado debajo de las cuchillas de la perforadora.

Los registros que podían variar a veces según la compañia permitían que las hojas de producción mantuvieran la posición original dispuesta por el animador, calcador , colorista y escenografista y camarógrafo. Si se perdía el registro digamos por una ruptura la animación perdería secuencia creando saltos indeseables en pantalla.


La Bray Punch de la imagen en particular pasó por los estudios de Bray Studios y su origen al parecer es de los estudios de Paul Terry’s (Super Ratón) el Terrytoons studio. En la imagen de arriba una maquina similar en los estudios Fleisher

2. Disco de animación

JJ Sedelmaier: Antes de que los animadores y los artistas de producción trabajaran exclusivamente en un dominio digital y crearan sus obras de arte en pantallas o tabletas como las Cintiqs, los artistas de producción trabajaban en con discos de animación y escritorios que se montaban sobre una fuente de luz. Esto permitió a los artistas ver a través de los dibujos para trazar y confirmar la acción o movimiento secuencial de la animación. Este proceso fue utilizado durante la mayor parte del siglo XX.

La ventaja de este disco, era poder rotar en 360º permitiendo tener la línea curva,cómodamente. Además era el soporte de las reglas de registro (Peg Bar), en el centro una vidrio pavonado deja pasar la luz ideal para revisar la secuencia o ser precisos a las hora de hacer los intercalados. En la imagen Floyd Norman en los estudios Disney trabajando en su mesa de luz.
Los softwares actuales reproducen la capacidad de ver dos o más dibujos a la vez a través de las Onion Skins o las Lightbox que forman parte de sus funciones, como en TVPAint, Toom Boom etc.

En estas imágenes pueden ver un tablero de luz o tablero de animación, notaran detalles como el sujeta lápices en forma de resorte, la palanca para liberar varias hojas a la vez, el sistema de ruedas que facilitaban el giro del disco y la abrazadera de los frascos de tinta.

3. Moviola

JJ Sedelmaier: La "Moviola" se usó por primera vez en 1924 y fue el pilar del proceso de edición de películas hasta que la tecnología digital absorbió la producción de "películas" hace un par de décadas.
Un Moviola era un tipo de proyector utilizado en el proceso de edición. Permitió la selección y la sincronización de una película cinematográfica de 16 o 35 mm con audio (pistas magnéticas u ópticas). Se extendieron desde grandes máquinas en un chasis con ruedas como el modelo verde "Preview" de los años 50 (cuya pantalla también podría actuar como una superficie para el seguimiento de imágenes en vivo / animadas para referencia de movimiento como en la rotoscopia) a pequeños "Módulos de imagen" portátiles que podrían colocarse en un escritorio. (En el Ministerio de Cultura hay una moviola, de las últimas que se vieron pòr Lima en producción hasta mediados de los ochenta).

En la imagen una moviola de mesa, al costado una empalmadora que permitía unir los diversos trozos de película en la edición.Hoy, la edición de la película se puede lograr con una variedad de softwares que se ocupa de las secuencias y archivos digitalizados. After Effects, Premiere, y a veces, el propio software de animación proporciona herramientas de edición.


4. Planning Board

JJ Sedelmaier: Hacia el final del proceso de producción de animación llegó la etapa de "comprobación". Esta fase importante involucró a un verificador o coordinador de producción básicamente colocando todo el inventario de arte de producción a través del mismo proceso que el camarógrafo en la etapa final. Todo el arte tuvo que ser revisado por errores y la relación de todo el arte de la animación, incluyendo niveles de personajes, fondos, etc., tuvo que ser revisada, limpiada e inventariada para que no haya errores o problemas debajo de la cámara, cuando sería demasiado tarde para arreglarlo.
Las reglillas permitían poner tanto los acetatos terminados como los escenarios, se hacía check list con el guión técnico para saber que a la hora de filmar estén todos los dibujos de la secuencia ordenados y completos.



5. Estuche de película
JJ Sedelmaier: Desde el comienzo de la industria de la cinematografía, tenía que haber un método de transporte y entrega de carretes de película a los estudios, editores y cines. Esto también fue en un momento anterior a la "película de seguridad" o el envase redondo de metal cuando el material de película de nitrato era altamente inflamable y combustible. Aquí está una caja de película de acero, "Famous Players-Lasky Corporation / Paramount Pictures" de acero, forrado de cartón, que data de 1927-33.

Con información de Cartoon Brew