Este articulo es oro puro. ¿Eres animador? bueno presta atención en
CartoonBrew acaba de poner un articulo con 10 punto claves recomendados nada menos que por Ron Clements y John Musker el dúo de directores de animación con más éxito que ha tenido Walt Disney Company. Debajo una traducción libre con varias apostillas mias.
1. Cuente historias que exploten el medio de la animación. La pareja trata de evitar historias que podrían contarse como una novela o una obra de teatro en vivo. "Esa regla se ha vuelto un poco más borrosa", admitió Musker, "a medida que la acción en vivo ... se acerca mucho más a la animación, con la introducción de tecnologías digitales". Es escéptico sobre el próximo remake de acción real de Disney de The Little Mermaid : "Les deseo lo mejor con eso, pero [las personas que hablan y cantan bajo el agua] es una convención, una estilización, que creo que es más fácil de aceptar en una película dibujada a mano . "
2. Puedes encontrar personajes en cualquier lugar que mires. Clements dio el ejemplo de Glen Keane, quien animó a Ariel en La sirenita, y cuya personalidad propia moldeó la de ella: “Pensamos en Glen [cuando desarrollaba Ariel]. Salta a las cosas, es audaz ". Añadió, tentadoramente, "Hay algunos villanos que basamos en algunos de nuestros jefes".
3. Use canciones que avancen la narrativa. La pareja discutió su colaboración con el compositor Howard Ashman, quien fue cortejado por Disney a fines de la década de 1980, y eligió a La Sirenita de entre los diversos proyectos sobre la mesa. Ashman y los directores acordaron que “cualquier canción que estuviera en la película tenía que avanzar en la trama, el personaje o ambos. [De lo contrario] la historia se detenía durante la canción, y no queríamos que eso sucediera ".
(Esto no le va a gustar a los chicos de Pixar).
4. Crea cada escena cinco veces. Clements aprendió esta lección de su mentor Frank Thomas, uno de los Nine Old Men de Disney: “Obtienes una escena de animación y piensas: 'Sé cómo quiero hacer eso'. No solo vayas con tu primer impulso. Oblíguese a idear cinco ideas diferentes sobre cómo animar la escena y luego elija la mejor ".
(Verdad ABSOLUTA, la animación siempre es un acto premeditado, no te sientes a animar sino te has esforzado pro ver de manera creativa tu escena previamente en las miniatura (thumbnails). Leyeron no es cierto señores de Intro a la animación.)
5. Deje que la audiencia vea la imagen divertida. Este consejo específico fue transmitido a Musker por Ward Kimball, otro de los Nueve Viejos, a través del animador Cliff Nordberg. Se trata esencialmente de tiempo en la comedia, de pausar cuando sea necesario. "A veces tengo una tendencia a pasar por cosas tan rápidas", dijo Musker, "pero hay un cuadro divertido que, si no permites que el público vea esa imagen, pierdes algo".
Corolario: Si el público no lo ve o no lo entiende, revisa tu timing.
6. Piensa en la nariz. Musker recordó otra lección de comunicación visual de Nine Old Man Eric Larson, en la que ha recurrido muchas veces. Larson lo instó a considerar la nariz de un personaje como "un puntero gráfico que señala hacia dónde quiere ir su ojo". Entonces, si alguien está hablando con alguien, asegúrese de que la nariz no lo guíe en otra dirección ".
7. Storyboarding es el mejor camino para dirigir. Musker señaló que la mayoría de los directores de Disney, incluidos él y Clements, tienen experiencia en este campo. "Storyboarding es como dirigir en papel", explicó. "Estás eligiendo dónde está la cámara, estás tratando de dejar de actuar, estás tratando de desarrollar el entretenimiento a través de una sensación de ritmo, claridad, todas esas cosas".
"Si el que hace el Storyboard aun no es el Director es solo porque aun no ha decidido como matar al director"
8. Dirigir en pareja puede ser difícil. Estos dos se manejan a través de una clara división del trabajo. Al escribir, Musker tiende a generar ideas en bruto y Clements las pule en un borrador de guión. Al dirigir, supervisan diferentes secuencias, canalizando la tradición de Disney de "directores de secuencia"; Musker a menudo toma comedia y acción, Clements escenas más dramáticas o sinceras. Musker expresa sus emociones sobre la asociación dibujando caricaturas de Clements. De manera crucial, dijo Clements, siempre sienten que quieren hacer la misma imagen, incluso cuando no están de acuerdo.
"Tienes que saber cual es tu labor cuando diriges, la tendencia actual es confundir roles, un dia voya escribir un poco mas amplio sobre el trabajo de director que muchos equivocadamente lo asocian a pegar de gritos a la gente que trabaja contigo"
9. Aprende a aceptar las críticas. Muchos artistas, jóvenes y viejos, no quieren escuchar comentarios constructivos, dijo Musker. "Mire su propio trabajo e intente ser objetivo al respecto: ¿qué tiene de débil?" Hoy en día, la abundancia de recursos y comunidades en línea brinda a las personas oportunidades incomparables no solo para obtener retroalimentación, sino también para buscarla activamente al poner su trabajo allí.
"No te ofendas si te corrigen, la animación es una construcción colectiva, nada es tuyo ahí es de todos y el error solo debe servir para que lo usen como peldaño para subir a donde quieres llegar"
10. La escuela no lo es todo. "Casi todo lo que aprendí sobre animación, no lo aprendí en la escuela", dijo Musker, reflexionando sobre su tiempo en Calarts. Él le da crédito a Larson por haberlo educado en el oficio: "El cambio de forma, las declaraciones positivas, las siluetas de valor ... la idea del momento, el carácter, la observación".
"Solo la practica profesional hará de ti un verdadero animador. "
Enlace al artículo original:
Secrets Of A Creative Marriage: 10 Animation And Filmmaking Tips From Disney Directors Ron Clements And John Musker
https://www.cartoonbrew.com/educational/secrets-of-a-creative-marriage-10-animation-and-filmmaking-tips-from-disney-directors-ron-clements-and-john-musker-193684.html?fbclid=IwAR0HPePm5qxf4zTA-8DlrC7O4TD9Pqs8VDbA19772awVdM-OnQHI5fZSfTo
