Tutorial de Animación #3. Aplastar y estirar.

https://www.facebook.com/TLS.DVJAD/videos/326985488018798/

Tutorial #2 de Animación, vídeo tutorial

Este es el segundo vídeo hablando de como hacer animación, hoy hablamos de manejo de velocidad, espaciados y charts de animación. Comparte y has llegar la información a todos los que les guste saber algo mas sobre los dibujos animados y como hacerlos.

Clases online gratuitas de animación, en español.

Introducción a la Animación- Principios Básicos.
Con Javier Prado
Director de Animación.
Desde este mes y cada quince días estaré dictando en línea tutoriales sobre animación, con la técnica Tradigital (mal llamada 2D), el primer vídeo trata de la introducción a la animación , con la definición de que es animación y la primera clase práctica sobre el manejo de la velocidad. Espero que les sean útiles, los vídeos los pueden encontrar AQUÍ en la plataforma de Facebook Live de Toulouse Lautrec dale  Like y activa tus notificaciones para  que puedas hacerme preguntas en directo, y si no llegas a tiempo puedes escribir tus interrogantes en la página después encontrarás el vídeo también en mi canal Youtube.

Gleane Keane, siete elementos claves para la animación.

Baby Tarzan

Caricatura de Julio Ramón Ribeyro, paso a paso

Ilustrando un BB , paso a paso

Tutorial de Photposhop extraordinario: Cómo desnudar la foto de una mujer

Un post solo para mayores de 18 y Adobe Creative 8 o superior.

Hay que reconocer que los grandes avances dentro de los software editores de imágenes se debieron en gran medida a los Ingenieros, Programadores y por supuesto  los Fappers.
Aquí el tutorial que todo fapero necesita aprender: Cómo desnudar a una mujer en Potoshop...


:)

Animatic, definición y ejemplos.

Un Animatic (Leica Reel) es sencillamente grabar el Storyboard en secuencia apoyados en la pista sonora y marcando con ello los tiempos que duran las escenas o tomas.

Es el primer acercamiento a cómo se narrará visualmente nuestra historia, por lo tanto si se nos pasó un quiebre de eje, o un problema de continuidad en el Script, puede mejorarse en esta instancia del Pipeline. Lo importante a entender es que tanto el Storyboard , Animatic y Layout  son parte de un todo que tiene que ver con la narración. Un buen Storyboard deberia tener solucionado la narrativa y la puesta en escena y la Animatica debe ser un Test hacía afuera del equipo de realización.

Una vez listo será la guía principal para las siguientes fases de producción junto con el Layout por escena, pero mientras el Animatic nos hará entender mejor de donde viene la escena y hacia dónde va, el Layout nos dará el detalle del interno del plano o toma (Puesta en escena).

En el Guion Técnico ( X- sheet) uno previamente ha trasladado la "marcación" del sonido por lo tanto la duración de los planos dentro de la Animática ya están predeterminados por el tiempo de diálogos, efectos sonoros y eventualmente la música.

Ahora hay planos que pueden ser entendidos con una sola viñeta, pero hay veces que se necesita un desarrollo mayor de la secuencia por su complejidad o movimientos de cámara , un buen ejemplo es Joust (al final de los vídeos) donde los continuos desplazamientos coreografiados en la toma necesitan desarrollarse en más de una Viñeta que marque los Keys Frames principales.

Hay que recordar que lo que busca fundamentalmente la Animatica son dos objetivos para la producción:
a) Revisar la narrativa audiovisual.
b)Hacer el primer Test frente a un público no relacionado con la producción.


La banda sonora, que para ese momento de la producción posiblemente aún no contenga la música final pero sí los diálogos , pausas y los efectos sonoros (golpes, explosiones, sonido de pasos, etc.) marcaran con mayor precisión la duración exacta de los planos y reforzará el clima de la actuación sin dudas. Si estos faltaran para completar esta pieza de pre-producción uno puede consignar lo sonoro por escrito.



El Animatic de Iron Man por ejemplo tiene una función más, ser una clara indicación para la actuación de los actores, ya que todo el entorno o casi todo está trabajado sobre la pantalla Croma de color verde, así que el Director tiene una herramienta gráfica eficaz para mostrar que se está esperando que haga en la escena.



Esta son dos escenas cortadas de la película  Rise of the Apes que fueron retiradas , pues se pudo evaluar anticipadamente en su Animatic su impacto o conveniencia para la película.

Animatic de Gorillaz

Animatic de Aventuras, en este caso notaran un auxiliar mas, el contómetro de producción, que estará coordinado con la Bar sheet o guión técnico.

La flechas que aparecen usualmente indican los desplazamientos de animación, los escenarios tienen como código dibujarse en azul, mientras que personajes y movimiento en negro y rojo.





Javier Prado.

El Lenguaje Cinematográfico, Vídeo Tutorial

El lenguaje del cine (cinematografico o visual) tiene sus reglas y convenciones que convierten a esta apropiación de la realidad en un arte de forma y fondo. El conocimiento por tanto de sus elementos como planos, ritmos, montaje y otros elementos son básicas para cualquier espectador actual.


Si te pareció muy básico escucha al propio Alfred Hitchcock hablando sobre como hacer cine.

Y aquí mas específicamente hablando sobre el Montaje.
Mas sobre el Lenguaje Cinematografico

LaNuez

Tutorial, entendiendo como hacer arrugas y pliegues de la ropa

How to UNDERSTAND FOLDS and DRAW CLOTHING!

Publish at Scribd or explore others: Culture theory skin

LaNuez

Creando Expresiones por Scott McCloud's

Un par de páginas dedicadas al estudio de las expresiones para el comic del nuevo gurú del comic moderno Scott McCloud's de su libro :
Making Comics: Storytelling Secrets of Comics, Manga and Graphic Novels
Scott McCloud
2006, 272 pages
$16
Comprelo en Amazon

Perublogs Tags: Scott McCloud , Comic

Artnatomia, aprenda anatomía de forma facil

ARTANATOMIA es un subaplicacion maravillosa realizada en Flash trabajada por la animadora y profesora Victoria Contreras Flores que permite al usuario conocer la enseñanza y el aprendizaje de los fundamentos anatómicos y biomecánicos que configuran la morfología de la expresión facial a la hora de
representar emociones.

Para esto se vale de una interfase intuitiva, fácilmente navegable y por supuesto interactiva.El trabajo de recopilación de datos así como su correcta ubicación facilita los estudios no solo para estudiantes de artes sino también para profesores. La La aplicación es gratis y funciona en Internet bajo licencia Creative Commons (que permite usarla y distribuirla siempre y cuando sea sin ines comerciales, no se utilice en obras derivadas, y se cite al autor: VICTORIA CONTRERAS.

Dada su alta calidad y utilidad que es fácilmente comprobable visitando ART ANATOMIA este trabajo ha sido seleccionado como finalista (en la categoría "Educational") en el FLASHFORWARD Conference and Film Festival que este año es en Seattle y se fallará el próximo 1 de Marzo.

 Esperamos que puedan por supuesto apoyar el trabajo denodado de Victoria votando en este concurso porque ademas es la única representante latina en dicho concurso.

IR A LA APLICACION

Una clase maestra de color con Ariel Olivetti

Ariel Olivetti (Argentina 15 de noviembre de 1967) es de la personas que no se dejan desanimar a pesar de haber sido rechazado inicialmente en la revista "Fierro", y no salir bien en algún concurso. Siguió estudiando y mejorando su técnica hasta empezar al inicio en públicar al menos en el suplemento "Oxido" (encarte amateur de Fierro), de ahí no para hasta hacer portadas a color en la revista principal. Dueño de una técnica muy cuidada fruto de interminables experimentos con diversas técnica hasta encontrar ese sello personal que ahora lo encumbra en las casas mas grandes del comic mundial como la "Marvel y DC comics", pero antes de llegar ahí paseo su arte por "Skorpio", "El Tony" y "el Péndulo" de su querida argentina desde mantiene su base de operaciones, creador junto con su amigo Jorge Lucas Mauro del comic "El Cazador" que marco a pesar de la intermitencia de su publicacion un hito entre un antes y un después de Ariel Olivetti en la historia del Comic Argentino. El año 1994 muestras de su trabajo convencen a la editorial Marvel de darle dos libros con color directo "The last Avenger Story" de ahi no se ha detenido X-Men, JLA, Superman , Batman. acab de terminar un comic integramente realizado por él sobre el personaje salido de la mano de Alex Thot y Hanna-Barbera "Space Ghost". Y actualmente esta realizando junto a Mauro Cascioli (hijo del gran portadista de "Humor Registrado") un especial a color sobre Batman.

Pero aun hay mas cosas que hacen de Ariel Olivetti digno de interés y atención, el suele ayudar a los jóvenes talentos dictando charlas donde muestra su técnica, se da tiempo para contestar sus interrogantes y ofrecer sus consejos a quienes se acercan con un dibujo y alguna duda, precisamente pondremos aquí el contenido de una de sus charlas donde explica paso a paso su tecnica de color, la recopilacion de la charla la realizo Leo uno de los miembros de Grupo de Yahoo Groups admiradores del trabajo de este genial artista.



Gracias Ariel por la buena onda para con los lectores de LaNuez.


El proceso de Ariel· Herramientas: Ariel usa Photoshop 7 y una Wacom Intuos mediana (alrededor de u$s300), pero también recomienda la Graphire (u$s100).
Más info: http://www.wacom.com/
·Tiempo: Una página como la de Space Ghost lleva dos días de trabajo. Los ayudantes se encargan del enmascaramiento (que lleva medio día).
Aclaración: los atajos de teclado mencionados son para la versión en inglés de photoshop 5.5. Las "notas personales" y preguntas también son agregados míos.
Leo
PASO 1: Línea

En los trabajos a color de Ariel arranca con un dibujo a lápiz, que será la capa fundamental en Photoshop.
-Esas líneas definidas las logra con un lápiz HB.
-"Lo normal es trabajar con una resolución de 300 dpi". En el video de demostración la resolución pareciera ser de 1500x2000 píxeles.
-La imagen se trabaja en modo “gris” (grayscale), mucho más liviano de procesar y almacenar.
-En esta instancia la capa es única y en modo normal.

PASO 2: Enmascaramiento

Esta tarea consume el 25% del tiempo y es realizada por ayudantes. Consiste en crear selecciones de cada uno de los sectores del dibujo que comparten el mismo color. Estas selecciones o “máscaras” son salvadas en canales. Ejemplo: nuestro dibujo consiste en dos figuras humanas: se enmascaran todas las pieles en un canal. Así se va reservando un canal específico para todas las piezas del mismo color (un canal para jeans, otro para cuero, etc).
Ariel crea la máscara usando el modo máscara rápida (se activa o desactiva con “Q”). Define los contornos de la máscaras con el lápiz duro (tecla “N”) así puede sumar y restar áreas sin “ensuciar”, sin que queden píxeles colgados.
Luego rellena el contorno con la herramienta de relleno (en el video: modo normal, 100% opacidad, modo contiguo, tolerancia 32).
Nota personal: recomiendo alta tolerancia para que no quedan píxeles sin rellenar en los bordes internos.
Una vez terminada la selección se procede a salvarla. Dos opciones posibles:
van al menú de canales y duplican la máscara rápida que acaban de crear (clic derecho en la máscara > duplicar..) y a esta copia la bautizan con un nombre representativo (ejemplo: “PIELES”).
O bien, salen del modo máscara rápida, y cliquean en la opción “guardar selección como canal”. Doble clic en el canal para cambiarle el nombre.
Ariel también separa a los objetos (en este caso, las dos figuras humanas) en un nuevo canal (es decir una silueta de todos los objetos).
A todos los canales les da un efecto de “blur” (difuminado) de 0,5. (Filtros > blur > gaussian blur). Para repetir el último efecto usado pueden usar el atajo ctrl+F.
PASO 3:Valores
Ariel trabaja en blanco y negro, y luego colorea al final. En esta etapa le da el tono base o valor a cada máscara.


Primero selecciona una máscara (se hace haciendo ctrl+clic en la máscara “PIELES” que contiene la selección de las pieles).
Le da el valor correspondiente a la piel usando la herramienta de brillo y contraste (imagen > ajustar > brillo y contraste).
Puede dársele color plano o incluso un degradé. Ariel usa la herramienta de degradé con la opacidad al 30% (para que el color no cubra tanto la línea) manteniendo transparente uno de los extremos del degradé línea. (Nota personal: Yo en cambio usaría esta herramienta con 100% de opacidad pero en modo “multiply” para que la pintura no cubra para nada la línea).

PASO 4: Volumen

Esta pareciera ser la etapa decisiva y más delicada.
Para crear el volumen agrega dos capas nuevas en modo “normal”: una para oscurecer y otra para aclarar. Primero hace las sombras, luego las luces.
Ariel usa el Pincel (tecla “B”) en modo normal para pintar (punta dura, pero con opacidad sensible a la presión de la “wacom”). Pero además esfuma con el Dedo (tecla “R”) de punta blanda.
Por último: funde las capas en una sola (“Merge down”) y transforma la imagen a modo a RGB (no antes, pues si no el archivo es más pesado).

PASO 5: Color“Ahora se usan las máscaras”. Esta etapa depende del buen gusto del colorista.

Selecciona el canal o máscara que contiene, por ejemplo, las pieles a colorear.
Va a imagen> ajustes > tono saturación (hue/saturation, atajo: ctrl+U).Marca la opción “colorear” y le da el color base a la piel, tono más bien rojizo, pero lo “tonalizado” hacia blanco (ojo, no lo “aclara”, salvo que no le importe que el color pierda fuerza).
Usa la función “reemplazar color” para reemplazar “los claros chotos” por tonos amarillos para que el color tenga mas vibración.

Otros casos:
“Si estamos pintando un verde, partimos de verde azulado y aclaramos con verde más amarillento”.
“Si estamos pintando una capa roja: arrancamos con bordó y aclaramos con naranja o rojo puro”.

Nota personal: En vez de “replace color” también me da resultados muy interesantes la herramienta “Selective color...”, una de las más poderosas y divertidas de Photoshop.

UPGRADE:

Tutorial diseño de personaje.

PARTE I : EL DIBUJO DEL PERSONAJE.
1) Miro la hoja en blanco, nada, la vuelvo a mirar, me toco la sien, miro mis uñas, noto que una de ellas esta sucia, nada, esta pasando el tiempo y ya empiezo a mosquearme que porque habré aceptado de hacer un tutorial de cómo dibujo si yo mismo no se como diablos lo hago.

2) La cosa mejora, uno de esos flash que a veces aparecen por mi cabeza, me acaba de vislumbrar una forma de alguien con los brazos cruzados y una cara de malo, aún no esta definido totalmente pues habrá que ver que tanto lograre plasmar en la hoja, ya de echo he empezado poniendo una línea de acción en forma de “ese” para tener una mejor pose de personaje.

3) Ah, importante, a este punto tengo abierto el word y el photoshop, una hoja bond, un portaminas 0,5 con una mina 2HB (semi-blanda), y un lápiz bicolor aguardando turno.

4) Paso a crear la volumétrica del cuerpo, con lápiz, y sin acentuar mucho la línea pues considero que nada es definitivo aún, de hecho esto del “tuto” lo siento como una “intromisión” que me ha puesto a dudar si es exactamente esto lo que hago cuando no pienso que me están mirando (ayayay... maldita paranoia). Mirando el esqueleto y releyendo el punto dos me doy cuenta que “del dicho al hecho...”

5) En un paso no muy usual, acabo de hacer un boceto aparte de la cabeza pues, no tenía claro que quería hacer finalmente parece que de “Cuco” nada, y apostare por una especie de felino antropomórfico, mientras trabajo con el bicolor, he logrado más fuerza a la expresión de los ojos compensándola con una quijada grande y cuadrada.

6) Llega el momento de ir definiendo más la figura con el bicolor me pongo a la tarea, cada línea me va obligando a crear otra en compensación, pongo en funcionamiento lo que en principios de animación se le conoce como “unidad de expresión”, cada parte dibujada va “empujando” la posición de la siguiente así hasta completar la figura en su postura final (vaya ya hablo igual que el Loomis).

7) He empezado a presionar más el bicolor, para ir marcando mejor las líneas que estoy considerando como definitivas, no lo hago usualmente pero en esta oportunidad para que se note más claro he ido marcando más grueso aún las líneas que refuerzan la idea de una composición en forma de “eses” o ondas, pues la encuentro más adecuadas para un ser felino y se me antojan trasmitir al espectador el nivel de plasticidad a la hora de moverse del personaje.

8) Ya solo resta ver si pasaré tinta usando pincel, plumilla, plumón (fieltro), o directo lo pasaré al photoshop. Descarto estilógrafo por dos cosas principales. Uno siempre da una línea “uniforme”, dos el ultimo estilógrafo que compré ya se malogró y no lo extraño para nada.
Descarto también la plumilla pues estoy usando una hoja bond y me fastidiaría mucho que se atracara en el papel y creara un manchón de tinta, queda el pincel y el plumón en todo caso que calcara la figura en mi mesa de luz para lograr más limpieza en el acabado. Por otro lado sería interesante mantener la línea del boceto pues siempre tendrá más fuerza y ayudará a mostrar mejor el proceso. Hmmmm. se me ocurre que usaré un fine-pen así dejo bien clara la línea para el escáner y mantengo en lo posible algo de la fuerza del boceto, el resto lo borraré en el photoshop.
No es así cuando trabajo digamos “profesionalmente”, cuando estoy apurado (todos los días) hago el boceto a lápiz y en la misma hoja paso tinta y borro el lápiz. Muy contadas veces uso calcar en hoja aparte para quedarme con el boceto, y lo hago por una razón práctica, que es a final de cuentas el doble de espacio de almacenamiento para guardar entintados y bocetos.


9) Escaneo a 300 o 600. 300dpi usando escala de grises si es una ilustración más pictórica y pintada directo en photoshop, si voy a vectorizar uso 600 dpi en línea de arte (BMP). Si coloreo uso como formato de pintado PSD o TIF que me permite usar capas de pintado (layers) aunque luego termine haciendo una copia en JPG para este tutorial he escogido escanear a 600 y en grises para mantener cierta calidad y que soporte mejor la reducción del dpi posterior pues se supone terminara siendo un dibujo dentro de la web.

10) Estando en escala de grises ajusto el umbral del brillo y el contraste, empezando por el brillo que me permitirá desaparecer ciertas líneas del lápiz.

Cuanto le pongo al brillo o el contraste dependerá de cómo se vaya viendo mejor, no hay ni escala ni tablas que consultar más que aquellas que tu propio parecer.

11) Empezare a borrar las líneas que van sobrando con el borrador, algunas de ellas aunque eliminadas pasaran a ser una especie de”recuerdo guía” que insinúe a la hora del pintado volumetría. Además siempre puedo ver la hoja donde esta el dibujo.

Claro toda esta última parte dedicada a borrar el lapiz puede ser omitida facilmente, primero pasando en limpio en una hoja diferente la tinta, tambien existen en el mercado colores que no son registrados por los escaners, o escogiendo la opcion "artwork" o b/n a la hora de escanear. En todo caso no dejaba de ser lo interesante mostrar el proceso que estaba siguiendo mientras hacia este pequeño tutorial.
12) Ya limpio con el contorno definido el dibujo esta preparado para aplicar el color digital.

SEGUNDA PARTE AQUÍ.
Javier Prado

El Storyboard

Un Storyboard o "historia de tablero" viene a ser la versión gráfica del guión escrito ("el guion dibujado"), es además el primer acercamiento a la puesta en escena, estructura narrativa, lenguaje cinematográfico, guión de edición, dirección de actores y desglose de producción.

Las ideas se representan pictóricamente y se muestran de manera que puedan desarrollarse, reorganizarse y debatirse. Un storyboard transforma la información en una historia visual y permite probar cambios fácilmente durante el proceso creativo. Es una herramienta perfecta para quien quiera organizar contenido para propuestas, presentaciones o producciones.

En su confección se convoca a parte de los diseñadores de storyboard, la coordinación de las diferentes direcciones involucradas en el proceso de realización, el director de la película, el productor en línea,guionista, dirección de arte, dirección de animación, dirección de fotografía o cámaras, editores, sonidistas  quienes observan, comentan y sugerirán los cambios que crean conveniente, por lo tanto en una primera etapa el guion dibujado variará constantemente o se rehacerá las veces que sean necesarias. Por eso el método de tener los planos dibujados por separado y pegados en un tablero facilita esta primera etapa de preproducción, muchas historias incluso podrían ajustarse más allá del storyboard cuando una versión  sea filmada con los tiempos supuestos, se le agregue el sonido y sea mostrada a gente no vinculada con el equipo de producción conocido como Animatica, que vendría  ser un Test donde  se podrá evaluar la narrativa, el lenguaje audiovisual y también el desempeño de los personajes.

Debido al avance de las técnicas digitales el storyboard actual, hace tanto las funciones de animatica como puesta en escena o Layout sin cambiar de archivo.

Un storyboard es un guión visual —una herramienta de planificación para visualizar y organizar ideas. Tiene una serie de indicaciones técnicas sobre orden, tiempos, acting, acciones de los personajes a través de los key frames, diálogos o efectos sonoros, desgloce de planos, movimientos de cámara, indicaciones de transición, etc.

Hay diversos grados de storyboard, están  los de presentación a clientes que solo muestran la imagen de la escena y el diálogo debajo, suele estar a color y su función es "vender la idea" al cliente,  mostrar aproximadamente lo que se verá en pantalla (usualmente usado para videos de promocion o comerciales), son cortos de de 6 a 12 viñetas.

En cambio el Storyboard de producción suele ser más profuso de indicaciones, las indicaciones técnicas vienen del trabajo previo del director y productor que han trabajado previamente un guión técnico y posiblemente una escaleta de acciones a partir del script. La puesta en escena tratará de equilibrar por un lado la parte artística o composición de elementos como la animación, el lenguaje audiovisual, la iluminación, junto a plasmar adecuadamente el clima, la técnica escogida, la visión del director y la preocupación del productor para la realización dentro de los plazos y presupuestos económicos.

 Javier Prado